Nga Gazeta Si – Artistja Anne Truitt filloi të mbante një ditar në vitin 1974, në moshën pesëdhjetë e trevjeçare, pasi retrospektivat e punës së saj në Muzeun Whitney dhe Galerinë e Arteve Corcoran e lanë të ndihej e “çmendur”, shkroi ajo.
Duke parë sërish skulpturat e saj – të gjitha së bashku përnjëherë, të ekspozuara ndaj publikut – ajo u përball me “riaktivizimin e ndjenjave” që kishte kërkuar t’i përmbante brenda tyre. Mbajtja e një ditari u bë një mënyrë për të integruar identitetin e saj si artiste së bashku me rolet e saj si nënë dhe mbajtëse e familjes – pas divorcit të saj, në 1971, nga gazetari James Truitt, ajo mori përgjegjësinë financiare për tre fëmijët e tyre. Mbajtja e ditarit gjithashtu e lejoi atë të përsosë sensin e saj të qëllimit në bërjen e artit, ose atë që ajo e përshkruan si “disiplinë e rreptë e detyrimit të vetvetes për të punuar me vendosmëri përgjatë nervit të ndjeshmërisë më të ngushtë të dikujt”.
Sinqeriteti dhe kurioziteti intelektual i Truitt-it për mënyrat dhe arsyet e jetës së një artisti që punon, e ka bërë “Daybook: The Journal of an Artist”, i cili u botua në vitin 1982, diçka si një gur prove për artistët dhe shkrimtarët aspirantë. “Daybook” u pasua nga dy vëllime të tjera të revistave të Truitt, “Turn” (1986) dhe “Prospect” (1996); këtë muaj, i katërti, “Yield”, i redaktuar nga një prej vajzave të saj, Alexandra, do të botohet pas vdekjes nga Yale University Press. Kur Truitt vdiq, në vitin 2004, në moshën tetëdhjetë e tre vjeç, ajo la pas një trup vepre skulpturore – kolona druri në formë katrore, të përmasave njerëzore dhe të mbuluara me shirita ngjyrash – që sfiduan shikuesit të sodisnin kufizimet e shqisave të tyre. Në mënyrë të ngjashme, në ditarët e saj, Truitt shpesh po shtyn të artikulojë diçka në skajin e aftësisë dalluese; Pjesa më e madhe e kënaqësisë së leximit të tyre është në përjetimin e mendimeve të saj ende në formim, ndërsa ajo u përpoq të ndriçonte “rrethin e errët dhe nxitës” të krijimit të artit.
Truitt ekspozoi punë herët – ajo pati ekspozitën e saj të parë solo në galerinë André Emmerich të Nju Jorkut në vitin 1963; tre vjet më vonë, ajo ishte një nga femrat e pakta të përfshira në ekspozitën e Strukturave Primare në Muzeun Hebre. Por puna e saj nuk u shit mirë – skulpturat e saj nuk ishin të destinuara të vareshin në mure. As ajo nuk luajti lojën e botës së artit, duke u dredhur në festa apo duke shkruar traktate që do ta nxirrnin atë në rrymën e publicitetit. Ajo jetonte në Uashington, DC, jo në Nju Jork. Eksplorimet formale të Truitt folën më në mënyrë të zhdrejtë për qëllimet e feminizmit të valës së dytë.
Por, duke parë “Resurrection”, një skulpturë e vitit 1962, e ndarë në dy pjesë të së kuqes, e përfunduar një vit përpara se Betty Friedan të publikonte “The Feminine Mystique”, mund të imagjinojmë llojet e revolucioneve që ishin në mendjen e artistes.
Pjesa më e madhe e magjepsjes aktuale me Truitt ka të bëjë me mënyrat në të cilat trupi i saj i punës – shtyllat ose bazamentet e punuara me dorë nga druri dhe të lyera, në një proces të mundimshëm që përfshin aplikimin e deri në dyzet shtresave akriliku, lëmimi midis secilës për të eliminuar goditja e saj e penelit – e shtyn mbrapsht pikërisht atë lloj të menduari kategorik që dukej se e mënjanonte. Dukej sikur të ishin gdhendur nga pigmenti i pastër – dukej sikur mund t’i prisnit skulpturat e saj përgjysmë dhe të gjenit ngjyrën që kalonte deri në fund – gjeometritë e saj të mprehta ishin të lidhura me pikturën e fushës së ngjyrave, për Truitt, ngjyra nuk ishte thjesht një përvojë optike, por një përvojë emocionale.
“Dalëngadalë kuptova se ajo që në fakt po përpiqesha të bëja ishte të hiqja pikturat nga muri, të liroja ngjyrën në tre dimensione për hir të saj”, shkroi ajo në “Daybook”. “Kjo ishte analoge me ndjenjën time për lirinë e trupit tim dhe të qenies sime, sikur në një mënyrë misterioze e ndjeja veten me ngjyrë”.
Kritiku i artit Clement Greenberg e vendosi Truitt në ballë të Minimalizmit, duke shkruar në vitin 1968, “Nëse ndonjë artist filloi ose parashikonte Artin Minimal, ishte ajo, në objektet dhe më pas si kuti prej druri ose alumini që ajo filloi të bënte, i pari në 1961 dhe i dyti në 1962”. Nëse do të kishin qenë pikturë njëngjyrëshe, shtoi ai, do të konsideroheshin si “shembuj të parë të artit minimal ortodoks”.
“Ironia e dëshirës për të çliruar artin nga bagazhi historik vetëm për ta rikrijuar atë sipas kushteve të klubit të djemve, nuk i humbi Truitt, qasja e të cilës, në fakt, ishte e dallueshme nga ajo e minimalistëve të tjerë të shquar si Judd, Robert Morris, dhe Sol LeWitt, me theksin e tyre tek objektet e fabrikuara në mënyrë industriale që nuk përcillnin asgjë përtej materialitetit të tyre. Në të kundërt, Truitt, e cila ishte e interesuar për abstraksionin pasi përthyen perceptimin, besonte se përvojat e jetës ishin “toka nga e cila rritet arti”. “Artistët nuk kanë zgjidhje tjetër veçse të shprehin jetën e tyre”, shkroi ajo në “Daybook”, një këndvështrim i pasqyruar në titujt e saj evokues: “Mëngjes fëmijë”, “Një mur për kajsi”, “Vera ’96”.
Sado jo në modë në atë moment, ideja që personazhet tanë mund të ndërlidhen me artin tonë, pavarësisht nëse ajo që po bëjmë është apo jo në mënyrë eksplicite autobiografike, është përqafuar kryesisht sot. Jehona e konceptualizmit humanist dhe kontemplativ të Truitt-it mund të zbulohet në format e qelqit të derdhur të Roni Horn, ose në qasjen e një brezi të ri piktorësh abstraktë si Laura Oëens dhe Amy Sillman – artistë që përcjellin kuptimin privat, pa u mbështetur në tregim ose imazhe lehtësisht të lexueshme.
Shikueshmëria e saj është zgjeruar thellësisht që nga vdekja e saj, në vitin 2004, në moshën tetëdhjetë e tre vjeç. Në vitin 2024, ajo do të ketë ekspozitën e saj të parë europiane në Museo Reina Sofía të Madridit. Ashtu si shumë gra që lanë gjurmë në artin konceptual – duke përfshirë Agnes Martin, Lorraine O’Grady dhe Agnes Denes, për të përmendur vetëm disa – Truitt ka nderin të nderohet dhe vlerësohet, “rizbuluar” nga kritikët dhe kuratoret bashkëkohore, ndërsa kishte qenë atje gjatë gjithë kohës.
Fokusi i jetës së Truitt ishte familja dhe studioja, dhe shumë nga shënimet e saj në ditar i kushtohen lundrimit në pragun e dobët midis të dyve. Është emocioni i konceptimit të një skulpture të re: “një periudhë magjike në të cilën ne duket se biem në dashuri me njëri-tjetrin”, vërejti ajo në “Daybook”. Por na lejohet gjithashtu të kalojmë ditë të gjata në studio, detyra administrative dhe shqetësime financiare.
Duke lexuar Truitt, kujtohet se koncepti i “përbindëshit të artit”, një gruaje që sakrifikon gjithçka dhe këdo për ambicien e saj krijuese, është reduktues; kërkesat e artit dhe kërkesat e dashurisë nuk janë domosdoshmërisht kundërshtuese, secila vjen në kurriz të tjetrit, por shpesh mund të jetë reciprokisht ndërlikuese dhe pasuruese. Në çdo vëllim të revistave të saj, Truitt i qaset së kaluarës së saj nga një këndvështrim i ndryshëm.
Marrë nga The New Yorker, përshtati në shqip Gazeta Si
Copyright © Gazeta “Si”
Të gjitha të drejtat e këtij materiali janë pronë ekskluzive dhe e patjetërsueshme e Gazetës “Si”, sipas Ligjit Nr.35/2016 “Për të drejtat e autorit dhe të drejtat e tjera të lidhura me to”. Ndalohet kategorikisht kopjimi, publikimi, shpërndarja, tjetërsimi etj, pa autorizimin e Gazetës “Si”, në të kundërt çdo shkelës do mbajë përgjegjësi sipas nenit 179 të Ligjit 35/2016.
